Venerdì 23 maggio 2014 - ore 20:30, Santa Maria della Grazia

M. Giuliani "Alle mie tante lagrime"

LEE GO EUN

Mauro Giuseppe Sergio Pantaleo Giuliani (Bisceglie, 27 luglio 1781 – Napoli, 7 maggio 1829) è stato un chitarrista, compositore e violoncellista italiano.


Biografia

 Ultimogenito di una famiglia benestante, Mauro aveva tre sorelle e un fratello, Nicola, che fu pure musicista, specializzato in armonia e canto.  Trasferitasi la famiglia a Barletta, Mauro e il fratello studiarono violoncello e chitarra francese presso tale Gaetano Lucci. Giuliani partecipò quindi a vari concerti e pubblicò alcune opere. Ma poiché in Italia la musica strumentale non era tanto coltivata e apprezzata quanto la musica vocale (e la chitarra restava negletta), Mauro si trasferì nel 1802 a Vienna con moglie e figlio. In questa 'capitale' del mondo musicale europeo Giuliani si mise ben presto in luce come straordinario virtuoso di uno strumento fino ad allora ritenuto marginale, folcloristico oppure riservato al privato svago musicale dilettantistico.  Nel 1808 venne, in particolare, eseguito per la prima volta il "primo gran concerto per chitarra e orchestra Op.30": composizione di carattere brillante ed eroico, costruita esemplarmente in ossequio al gusto napoleonico del momento. L'inedita ampiezza di impianto cameristico, con ampi squarci sinfonici, sfatava di colpo il luogo comune dei limiti popolari e domestici, che si attribuivano allo strumento. D'altro canto, i numerosi e apprezzati concerti viennesi di Giuliani, da solista e in varie formazioni - stando a una recensione dell'epoca, pare che persino Beethoven andasse con piacere a quei concerti -, non solo rinnovarono clamorosamente l'immagine della chitarra, quale strumento cameristico alquanto versatile, del quale si scopriva l'interessante dimensione orchestrale concertante, ma aprirono anche un fortunato filone nella fiorente editoria musicale di consumo dilettantistico. 

 Il "Paganini della chitarra", come venne ribattezzato, divenne famosissimo e si conquistò la stima e l'amicizia di Paganini stesso, nonché di Rossini, Moscheles e Beethoven. Durante il soggiorno viennese produsse più di un centinaio di composizioni, fra le quali i tre concerti per chitarra e orchestra, alcune sonate per chitarra sola e brani destinati ad ensemble di vario tipo.

 Mentre riscuoteva un discreto successo, si separò dalla moglie, ebbe una figlia illegittima e contrasse debiti che lo indussero ad abbandonare Vienna. Tornando in Italia nel 1819, tenne un concerto aTrieste, "molto applaudito", ed altri in alcune città del nord. Si stabilì dapprima a Roma, poi a Napoli, dove trascorse gli ultimi anni della sua vita, pubblicando una cinquantina di composizioni.

 Durante la sua carriera Giuliani, come altri colleghi chitarristi, non si limitò alla composizione e al concertismo, ma fu anche uno dei più prestigiosi insegnanti del suo strumento, vantando persino allievi d'alto rango, come l'imperatrice Maria Luisa, seconda moglie di Napoleone Bonaparte, dalla quale ricevette in dono la Lira che Napoleone aveva commissionato per lei, nonché il titolo di musicista di corte e Cavaliere del Giglio. Pochi giorni dopo la sua morte, il necrologio apparso sul giornale del Regno delle due Sicilie, informava il pubblico: "La mattina del giorno 8 di questo mese Don Mauro Giuliani famoso chitarrista morì in questa capitale. La sua chitarra fu trasformata nelle sue mani in un'arpa che molceva i cuori degli uomini". La sua fama restò viva a lungo. In Francia e in Inghilterra, a distanza di dieci anni dalla sua morte, ancora venivano date alle stampe raccolte di sue brevi e armoniose composizioni per chitarra sola, The Giulianad (Le Giulianate). Giuliani, che costruì la nuova immagine della chitarra unitamente al non meno rilevante contributo dello spagnolo Fernando Sor, fece interessare alla chitarra anche compositori come Paganini e Diabelli, che hanno lasciato per questo strumento molti interessanti lavori.

Altre opere di M. Giuliano

Marcin dylla - Rossiniana No.1 (M.Giuliana)

Emmanuele Buono - Concerto op.30 (I. Allegro Maestoso)  

Lunedi 26 Maggio 2014-ore 18,30

Sala Conferenze Ex-Conservatorio Sant'Anna- Corso Vittorio Emanuele II, 16-Lecce

In questa serata di musica si esibiranno le scuole di Pianoforte del M° Pierluigi Epifani, Composizione del  M° Giuseppe Gigante e di Musica da Camera del M° Francesco Libetta.

A fare da cornice alla manifestazione la sala del bellissimo Ex-Conservatorio di Sant'Anna

La serata si aprirà con  L.van Beethoven, Sonata op. 109 per pianoforte. Al pianoforte Ludovico Cicala, IX corso.

L.Beethoven

Ludwig van Beethoven 

Figura cruciale della musica colta occidentale, fu l'ultimo rappresentante di rilievo del classicismo viennese, nonché precursore del romanticismo. È considerato uno dei più grandi compositori di tutti i tempi. Nonostante i problemi di ipoacusia che lo afflissero prima ancora d'aver compiuto i trent'anni, egli continuò a comporre, condurre e suonare, anche dopo che fu diventato del tutto sordo. Beethoven ha lasciato una produzione musicale fondamentale, straordinaria per la sua forza espressiva e per la capacità di evocare una gran mutevolezza di emozioni

Beethoven influenzò fortemente il linguaggio musicale del XIX secolo e di quelli successivi, tanto da rappresentare un modello per molti compositori. Il mito del Beethoven artista eroico, capace di trasmettere attraverso la sua opera ogni sua emozione, esperienza personale o sentimento, crebbe moltissimo nel periodo Romantico; ciò nonostante, pur anticipando molti aspetti del futuro romanticismo,la sua adesione alle regole dell'Armonia nelle modulazioni, il rigetto dei cromatismi nelle melodie nonché la cura dell'equilibrio formale dei brani, lo collocano nel solco della tradizione del Classicismo. Nel vasto catalogo delle composizioni beethoveniane, grande rilievo hanno la sua produzione cameristica, quella sinfonica e le opere pianistiche

L.van Beethoven

Sonata Op. 109

La sonata per pianoforte n. 30 è la terzultima delle 32 composte da Beethoven; vide la luce nel 1819-1820, in un periodo libero da altre commissioni ma i cui sforzi erano rivolti principalmente per la creazione della Messa Solenne op 123. Il 31 maggio 180si impegnò con l'editore Schlesinger a consegnare tre sonate entro tre mesi. Tuttavia in autunno soltanto l'Op. 109 era terminata; per le future op.110 e OP.111  dovrà attendere più di un anno.

Struttura

La sonata n. 30 è suddivisa nei seguenti 3 movimenti:

1. Vivace ma non troppo
2. Prestissimo (in Mi minore)
3. Gesangvoll, mit innigster Empfindung. Andante molto cantabile ed espressivo

   [Pieno di canto, con il più intimo sentimento]

I primi due sono di proporzioni assai ridotte. Il Vivace ma non troppo apre l'opera con uno stile apparentemente simile ad un'improvvisazione musicale; segue il conciso Prestissimo, in forma sonata come il precedente ma dal carattere «spettrale e carico di demoniaca energia», secondo l'opinione di Walter Riezler.

Incipit del Prestissimo (secondo movimento)

Il terzo movimento (il cui titolo è in tedesco - come avvenuto nelle precedenti sonate p.90 e op.101 - è un tema (Andante molto cantabile ed espressivo) con sei variazioni:

• Variazione I: Molto espressivo;
• Variazione II: Leggermente;
• Variazione III: Allegro vivace;
• Variazione IV: Etwas langsamer als das Thema

  [Un poco più lento del tema];

• Variazione V: Allegro ma non troppo;
• Variazione VI.

Il tema del terzo movimento: Andante molto cantabile ed espressivo

All'ultima variazione segue immediatamente il ritorno del tem

 S.Prokofiev 

Sonata No.7 OP. 83

Marco Conte

L' autore

Sergej Sergeevič Prokof'ev nacque a Soncovka (cittadina oggi conosciuta come Krasne, nell'Oblast' di Donec'k) il 23 aprile (o per ilcalendario gregoriano 11 aprile) 1891 da una famiglia relativamente benestante che lo introdusse fin da bambino allo studio della musica, in particolare del pianoforte. Sua madre era essa stessa pianista.

Sergej mostrò un precoce talento per la musica già a cinque anni ed a sette anni aveva imparato a giocare agli scacchi. Questi - più che la musica - diventeranno la sua passione per la vita, coltivata al punto da riuscire a confrontarsi con diversi campioni del suo tempo.

Iniziò a prendere lezioni di composizione nel 1902; uno dei suoi primi lavori fu una composizione per piano in fa maggiore, ma scritta senza includervi il si bemolle. Appena fu in possesso delle basi teoriche, iniziò a sperimentare, gettando le basi del proprio stile musicale. Le sue prime opere risalgono al 1908, quando aveva soli 17 anni.

Benché la famiglia non fosse propensa ad avviarlo alla carriera musicale in così giovane età, nel 1904 Prokof'ev si iscrisse al Conservatorio di San Pietroburgo, superando i test di ammissione e iscrivendosi alla classe di composizione pur essendo di diversi anni più giovane dei suoi compagni di corso. Fu visto come eccentrico e arrogante, fu spesso insofferente verso l'istituzione scolastica, ritenuta noiosa. Divenne amico di Boris Asaf'ev e di Nikolaj Mjaskovskij, suo condiscepolo e sostenitore che in futuro lo definirà «fenomeno luminoso e sano» sulla rivista "Musika".

Al conservatorio studiò sotto la guida, tra gli altri, del maestro Nikolaj Rimskij-Korsakov, guadagnandosi la fama di enfant terrible e diplomandosi in composizione nel 1909. Studiò anche con Ljadov e orchestrazione con N.N. Cherepnin. A.N. Essipova fu un eccellente insegnante di pianoforte che gettò le basi per la messa in pratica del suo stile aggressivo e opposto alla tradizione, che suscitava particolare tedio nel compositore. In questo periodo, prima del celebre Primo concerto per Pianoforte e Orchestra Op. 10, scrisse importanti pagine per pianoforte come la Toccata Op. 11, Quattro pezzi Op. 3 e 4 oltre alla Sinfonia in Mi minore. È con queste prime composizioni che si delinea il suo stile, in cui la tonalità diventa un elemento tirato al massimo con modulazioni repentine e frequenti che tuttavia non alterano la plasticità e la nettezza dei piani sonori. Il ritorno alla tonalità d'impianto in Prokofiev è sempre un passaggio carico di violenza e di interessanti e vivaci trovate timbriche (nel caso dell'orchestra).

Nel 1910 muore suo padre e viene meno il suo sostegno economico; fortunatamente il giovane compositore è già noto ed apprezzato a sufficienza per potersi mantenere con la propria arte. I suoi primi due concerti per pianoforte vengono composti in questo periodo: il primo nel 1912 (che suonerà due anni dopo per il Premio Rubinstein) e il difficilissimo e virtuosistico secondo nel 1913, con il quale intendeva affermarsi come pianista-compositore.

Nel 1914 Prokof'ev lascia il conservatorio con i migliori voti della propria classe e vince il premio Anton Rubinstein come miglior studente di pianoforte. Poco dopo parte per un viaggio a Londra, dove incontra Claude Debussy, Maurice Ravel, Richard Strauss, Sergej Djagilev e Igor Stravinskij. Fu proprio con Djagilev che a Londra iniziò a comporre il suo primo balletto (Ala e Lollij) poi rielaborato nel 1916 nella Suite Scitica, composizione carica di ritmi selvaggi con forti punti di contatto con Stravinskij.

Durante gli anni della prima guerra mondiale Prokof'ev ritorna al conservatorio per studiare organo. Scrive un'opera basata sul romanzo Il giocatore di Fëdor Dostoevskij, ma le prove sono funestate da continui problemi e la prima, nel 1917, viene cancellata per il verificarsi degli avvenimenti della Rivoluzione di febbraio, che fu salutata con gioia dal compositore. Nell'estate dello stesso anno compone la sua prima sinfonia, detta "la Classica", composta in uno stile ispirato al neoclassicismo e a Joseph Haydn. Prokof'ev disse che se Haydn fosse stato ancora vivo l'avrebbe composta nello stesso modo, con poche variazioni al suo stile. Dopo un breve soggiorno con sua madre a Kislovodsk, nelle montagne del Caucaso e un'esecuzione del 1915 a Roma al Teatro Augusteo del suo Secondo concerto per pianoforte e orchestra, torna nel 1918 a San Pietroburgo, ribattezzata Pietrogrado dopo lo scoppio della guerra, deciso a lasciare almeno temporaneamente la Russia. Nel 1918, all'età di 27 anni, lascia quindi la sua terra natale e comincia a viaggiare in Europa e in America.

Parigi, Londra e Chicago sono state per lui tappe fondamentali, che hanno fortemente influenzato la sua maturazione artistica. Il suo ritorno nell'Unione Sovietica risale al 1923, quando volle partecipare alla trasformazione sociale e culturale. Venne anche accusato dall'apparato burocratico di Stalin di formalismo.

Nonostante questo inconveniente Sergej, continuando ad elaborare la sua prodigiosa tecnica, divenne uno dei massimi artisti che la scuola russa avesse prodotto in quel periodo. La sua musica piaceva perché ironica, talvolta sarcastica, ma soprattutto istintiva e ritmicamente travolgente.

L'opera

La serata proseguirà con musiche di Strauss

 An die Nacht op. 68 n1

di Webern, Lied dall'opera 3 e Chanson di F.D'Avalon

Gli autori

A. Webern

Anton Friedrich Wilhelm von Webern, meglio noto come Anton Webern(Vienna, 3 dicembre 1883 – Salisburgo, 15 settembre 1945), è stato un compositore austriaco.

Fu uno dei primi allievi e seguaci di Arnold Schoenberg e appartenne alla cosiddetta Seconda scuola di Vienna. Nel 1925 Webern adottò definitivamente la dodecafonia appena essa fu teorizzata dal suo maestro Arnold Schönberg: tecnica compositiva della quale - anche per gli sviluppi tecnici che ebbero le sue idee da parte della successiva generazioni di compositori - si sarebbe rivelato esponente originalissimo. La sua embrionale organizzazione dei sistemi di altezze, ritmo e dinamica divenne infatti il modello originario di una delle principali tecniche compositive della seconda metà del XX secolo, del quale si parla in generale come di serialismo integrale.

Per la scuola di composizione ascolteremo di Cesare Rolli Colourways Per flauto, Pianoforte e Fagotto

Sabato 7 Giugno 2014 - ore 18.30 Galleria Maccagnani

Musica Prohibita -  Stanislao Gastaldon

LEE GO EUN

 Nel 1888 un giovanissimo compositore, che aveva pure lasciato inconcompiuti gli studi al conservatorio di Milano, partecipò al un secondo concorso indetto dalla casa discografica Sonzogno. Quel compositore era Pietro Mascagni e vinse la competizione con l'opera "Cavalleria rusticana" tratta da una novella di Giovanni Verga.

 A quella stessa gara partecipò anche un'altro compositore, il torinese Stanislao Gastaldon, con un'opera, "Mala Pasqua", pure anch'essa tratta dalla novella di Giovanni Verga. Entrambe queste due opere vennero rappresentate nel 1890 ma il successo di Cavalleria rusticana la offuscò (e non fu l'unica a subire l'eclissamento) e in seguito venne dimenticata. Di essa sopravvisse solo la canzone "Musica Proibita".

 Nel testo una fanciulla vuole ripetere il ritornello di una canzona d'amore che un bel garzone, da sotto il balcone, le canta ogni sera ma ciò le è proibito dalla madre senza però capirne il motivo. Aprofittando della assenza della madre intona le parole "Vorrei baciare i tuoi capelli neri /le labbra tue e gli occhi tuoi severi /Vorrei morir con te angel di Dio /O bella innamorata tesor mio [...]

 Nonostante una decina di opere scritte ma mai pubblicate e un centinaio di canzoni, di Gastaldon sopravvive solo questa canzone. Molte delle sue opere vennero infatti distrutte in un incendio avvenuto negli archivi Sonzogno. Il fatto poi che questo compositore, dal carattere un pò schivo, che mai si riconobbe negli ideali fascisti degli anni venti e mal si adattava alla vita sociale, lo relegarono in secondo piano fino al punto che lo stesso Gastaldon dovette arrangiarsi per vivere vendendo quadri. Morì quasi dimenticato nel 1939.

 Una cosa curiosa di questa canzone è che, sebbene sia stata scritta per voce femminile, la si può trovare cantata anche da un tenore o anche da un baritono.

 Martino Stanislao Luigi Gastaldon nasce a Torino l'8 aprile 1861 da Luigi Gastaldon e Luigia Grazioli. Suo padre era un ingegnere di Lerino, un villaggio vicino a Torri di Quartesolo nel Veneto. Sua madre era una nobildonna romana che aveva sposato un ricco proprietario terriero, il conte Bernardo Genardini, all'età di 16 anni. Ha incontrato Luigi Gastaldon nel 1854 quando lei aveva 23 anni e poco dopo abbandonò il marito e quattro figli per vivere con lui. La famiglia si trasferisce da una città all'altra durante l'infanzia e la giovinezza di Stanislao, mentre suo padre lavorava su una serie di progetti di ingegneria. Parte della sua infanzia è stata spesso a San Vito Chietino in Abruzzo, dove una strada è ora intitolata a lui e dove suo fratello minore Guglielmo è nato nel 1864.

 Gastaldon ha studiato musica con il compositore torinese Antonio Creonti e con Torquato Meliani, organista presso il Duomo di Firenze, oltre a studiare letteratura all'Università di Firenze. Ha iniziato a comporre romanze all'età di 17 anni, a volte scrivendo i testi sotto lo pseudonimo di "Flick-Flock". Anche se non si sa per certo perché Gastaldon abbia scelto "Flick-Flock", la musicologa italiana Maria Scaccetti suggerisce che probabilmente deriva da un balletto popolare, un Flick Flock di Peter Ludwig Hertel, eseguito al Teatro alla Scala nel 1861. Gastaldon aveva solo 20 anni quando la ditta fiorentina Venturini ha pubblicato il suo brano "Musica proibita", che ha fatto il suo nome come compositore e ha raggiunto una popolarità duratura. Il suo successo ha offerto anche una voce ai saloni più importanti in Italia, dove molte delle sue prime romanze furono effettuate. La sua fama musicale lo precedeva, quando Gastaldon ha fatto il suo anno di servizio militare obbligatorio nel 1883. È stato assegnato a uno dei "professori" della ventiquattresima banda del reggimento di fanteria.

 Quando il suo servizio militare fu terminato, Gastaldon tornò a Roma, dove i suoi genitori vivevano a quel tempo. Nel corso dei prossimi quattro anni, ha continuato a comporre romanze e brevi pezzi di musica strumentale e avviato i lavori per la sua prima opera,Fatma. Tuttavia, nel 1888, quando l'editore Sonzogno ha annunciato un concorso per opere in un atto, Gastaldon ha deciso di entrare con Mala Pasqua!, un'opera tratta dalla breve novella di Giovanni Verga (e poi pièce teatrale) Cavalleria rusticana. Un altro giovane compositore, Pietro Mascagni, partecipando al concorso stesso con la sua opera Cavalleria rusticana, anch'essa basata sulla storia di Verga. Gastaldon ha ritirato la sua opera prima del concorso, quando ha ricevuto un'offerta dalla rivale di Sonzogno,Ricordi, di pubblicare ed organizzare una prima al Teatro Costanzi di Roma. Ha ampliato l'opera a tre atti e Mala Pasqua! ha debuttato il 9 aprile 1890, con modesto successo. L'opera di Mascagni alla fine ha vinto il concorso e un mese dopo, il 17 maggio, venne rappresentata nello stesso teatro. l'opera di Mascagni fu un successo enorme e ha completamente eclissato quella di Gastaldon. Tuttavia, ha continuato a scrivere opere nel corso degli anni, producendo due opere in un atto, Pater (1894) e Stellina (1905) e un'opera comica in tre atti, Il reuccio di Caprilana (1915). Come Mala Pasqua!, hanno debuttato con moderato successo, ma sono scese quasi subito dal repertorio.

 Dopo la prima di Mala Pasqua! nel 1890, Gastaldon ha vissuto a Orvieto per un certo tempo, e poi si stabilì a Firenze, dove ha trascorso il resto della sua vita. Lì, oltre a comporre, ha insegnato a cantare, ha lavorato come critico musicale per il giornale fiorentinoNuovo Giornale, e ha scritto la colonna sonora "Scattola Armonica" per il periodico per bambini Il Giornalino della Domenica. I suoi soci a Firenze sono stati un circolo di libero pensiero di artisti e letterati che si riunivano al caffè Gambrinus Halle in Piazza Vittorio Emanauele (ora si chiama Piazza della Repubblica). Gastaldon e i suoi amici erano fuori sintonia con l'ascesa del fascismo italiano nel 1920, e divennero sempre più emarginati. Negli ultimi anni della sua vita ha anche lavorato come mercante d'arte, con l'acquisto e la vendita di dipinti di suoi amici nel Gambrinus Halle. Non si sposò mai e viveva solo nella sua casa di via Montanara. Il 6 marzo 1939, Gastaldon subì un attacco di cuore mentre passeggiava presso la Piazza Vittorio Emanuele e morì lo stesso giorno, all'età di 77 anni. Egli è sepolto nel Cimitero Monumentale della Misericordia di Antella, nei pressi di Firenze.

Spartito "Musica prohibita"

Il 23 Maggio. "Farewell unkind farewell" - J. Dowland

"Farewell unkind farewell" - J. Dowland          

LEE GO EUN

J. Dowland

 Molto poco si conosce della fanciullezza di Dowland se non che nacque a Londra o a Dublino. È noto che egli andò a Parigi nel 1580 al seguito dell'ambasciatore inglese, di cui era dipendente, presso la corte di Francia. Qui si convertì al cattolicesimo per ripicca contro la regina Elisabetta I d'Inghilterra (protestante), che non gli volle offrire un posto presso la sua corte. Egli prestò poi la sua opera per molti anni alla corte del re Cristiano IV di Danimarca. Ritornò a Londra nel 1606 e nel 1612 ottenne un posto di liutista presso la corte di Giacomo I d'Inghilterra. Qui rimase fino alla sua morte, avvenuta a Londra.

Molte delle composizioni di Dowland sono scritte per il suo strumento, il liuto. Esse comprendono numerosi libri di opere per liuto solo canzoni per liuto e voce. La sua opera più famosa è la canzone per liuto e voce Flow My Tears.

Più tardi scrisse quello che è il suo lavoro strumentale più famoso Lachrimae or Seaven Teares Figured in Seaven Passionate Pavans un gruppo di sette pezzi per 5 viole e un liuto, basato sulla canzone Flow My Tears. La sua pavana Lachrymae antiquae fu anche una delle più famose canzoni del XVII secolo. Fu noto ed apprezzato autore di numerosi madrigali.

Farewell unkind farewell

Farewell unkind farewell, to me no more a father,
Since my heart, my heart holds my love most dear.
The wealth which thou dost reap another's hand must gather,
Though my heart my heart still lies buried there.
Then farewell, then farewell, O farewell,
Welcome, my love, welcome, my joy forever.

 'Tis not the vain desire of human fleeting beauty,
Makes my mind to live through my means do die.
Nor do I Nature wrong, though I forget my duty:
Love not in the blood but in the spirit doth lie.
Then farewell, then farewell, O farewell,
Welcome, my love, welcome, my joy forever.

Farewell unkind farewell - soprano e ghitarra