Domenica 8 Giugno 2014 ore 18.30 Galleria Maccagnani

Scuola di Musica d'insieme per Strumenti ad Arco - Prof. A. Zitano

LEE GO EUN

Quartetto per archi n. 1 in re maggiore, op. 11

Musica: Petr Ilic Cajkovskij

1. Moderato e semplice (re maggiore)
2. Andante cantabile (si bemolle maggiore)
3. Scherzo. Allegro non tanto e con fuoco (re minore)
4. Finale. Allegro giusto (re maggiore)

Organico: 2 violini, viola, violoncello
Composizione: febbraio 1871
Prima esecuzione: Mosca, Bolscioj Sal Konservatorii, 28 marzo 1871
Edizione: Jurgenson, Mosca, 1872
Dedica: Sergei Aleksandrovich Rachinskii

P. I Tchaikovsky dal Quartetto in Re Maggiore - Andante cantabile

Opera matura è il primo dei tre Quartetti veri e propri, opera 11, la cui origine è certo solo apparentemente casuale. Alla stesura della partitura Cajkovskij si dedicò nel 1871 per colmare necessità materiali; sotto lo stimolo di aumentare le proprie entrate egli accolse il suggerimento dell'amico Nikolaj Rubinstein di realizzare una serata concertistica di sue musiche, e determinò di destinare a tale serata appunto un Quartetto, in mancanza della disponibilità di un'orchestra. Svoltosi il 28 marzo 1871, il concerto, al quale presenziò fra gli altri Turgenev, si componeva anche di numerosi brani vocali e pianistici, e riscosse un caloroso successo.

Quasi l'intero Quartetto fu realizzato seguendo il punto di vista "astratto" di un autore "classico". Il Moderato e simplice iniziale si sviluppa infatti in una nitida e ben articolata forma sonata; si impone immediatamente, con la dolce cantabilità del primo tema, intonato omofonicamente dai quattro strumenti, il talento melodico del compositore; il secondo tema si pone in un rapporto non oppositivo, ma di derivazione dal primo; lo sviluppo è percorso in gran parte dalle peregrinazioni di un breve frammento ascendente, che viene poi sfruttato nella ripresa del primo violino per compiere garbati ricami nella riproposta del tema iniziale; una coda brillante chiude il movimento.

In seconda posizione troviamo l'unico movimento "eccentrico", un Andante cantabile destinato a divenire celebre (Cajkovskij, una quindicina d'anni più tardi, lo trascrisse per violoncello e orchestra d'archi; e si dice che, nell"ascoltarlo, Tolstoj avesse pianto di commozione). L'eccentricità consiste nell'adozione di una melodia popolare, raccolta dall'autore a Kamenka, che viene proposta in quattro strumentazióni diverse; nella sezione centrale l'autore affida al primo violino una melodia discendente di propria invenzione. Segue un brillante Scherzo un ritmo di valzer, con un Trio segnato dal pedale ostinato del violoncello. Il Finale. Allegro giusto, è nuovamente in forma sonata, ed è il movimento più virtuoslstico; quasi un diversivo è la seconda idea di sapore "russo" (esposta dalla viola e affidata nella riesposizione al violoncello); mentre il ruolo principale è quello del ritmo incisivo del primo tema, che percorre quasi interamente il tempo e chiude il Quartetto in una coda serratissima.

Arrigo Quattrocchi

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(1) Testo tratto dal programma di sala del Concerto dell'Accademia di Santa Cecilia;
Roma, Auditorio di via della Conciliazione, 19 febbraio 1993

Biografia:
 Compositore russo figlio di un ingegnere e di una pianista, Cajkovskij nacque nel 1840 e incominciò a studiare musica con l’aiuto della madre. Stabilendosi con la famiglia a Pietroburgo, per volere del padre si iscrisse alla scuola di diritto.
Rendendosi però conto che quella attività era troppo lontana dalle sue attitudini artistiche, abbandonò quel tipo di studi per dedicarsi interamente alla musica.
Si iscrisse quindi al conservatorio della città, dove studiò pianoforte e composizione, mantenendosi grazie ad alcune lezioni private.
Dopo la morte della madre per Cajkovskij cominciò un periodo di grande crisi psicologica che lo portò a una grave mania di persecuzione.

 Finiti gli studi iniziò a insegnare presso il conservatorio e a introdursi nell’ambiente musicale della sua città. In questo periodo entrò spesso in contrasto polemico con Musorgskij: questi, con altri musicisti che facevano parte del cosiddetto “gruppo dei cinque”, aveva molto radicato il senso del nazionalismo musicale e rifiutava di prendere in considerazione gli influssi musicali occidentali che invece stavano particolarmente a cuore a Cajkovskij. 
 In questo periodo Cajkovskij compose le prime tre delle sei sinfonie e il primo concerto per pianoforte e orchestra.
 Nel 1877, dopo il fallimento del suo matrimonio, Cajkovskij iniziò una strana amicizia con una sua fanatica ammiratrice con la quale ebbe però contatti quasi esclusivamente per lettera.
Questa signora era una ricca vedova talmente innamorata della musica di Cajkovskij che decise di offrire al musicista una rendita annua che gli permise di dedicarsi esclusivamente alla composizione.
 Grazie a questa rendita Cajkovskij passò gli ultimi anni della sua vita a compiere numerosi viaggi che lo portarono in diversi paesi d’Europa e in America. Risalgono a questo periodo le ultime tre sinfonie, alcune opere, teatrali, il famoso concerto per violino e orchestra e i suoi celebri balletti: Il lago dei cigni, La bella addormentata nel bosco, Lo schiaccianoci.
Morì a Pietroburgo nel 1893.

Martedì 27 Maggio 2014- ore 18,30

Sala Conferenze Ex-Conservatorio S.Anna- corso Vittorio EmanueleII, 16 -Lecce

Anche questa sera i Concerti dedicati agli Studenti del Conservatorio Tito Schipa prendono forma nella Sala dell' ex Conservatorio di Sant'Anna.

Ad esibirsi stasera i migliori alunni delle scuole di :

Flauto: M° Luigi Bisanti

Violino: M° Flavio Caputo

Violino: Prof.ssa Annalisa Monteduro

Chitarra: M° Stefano Schiattone

In programma musiche di Haydn, Veracini, M. Giuliani, A.F.Doppler,N.Paganini, F.Mendelssohn, L.van Beethoven.

Ad aprire la serata il duo violino pianoforte formato da Irene Miriam Serielli al violino, FPA Livello Medio e al pianoforte la collaboratrice Silvia Palazzo. Eseguiranno il Concerto per violino op 14 di L. Portnoff.

A seguire ascolteremo di J.Haydn, concerto in Sol Maggiore, eseguito da Danila TRANE, FPA livello avanzato al violino.

J.Haydn

Franz Joseph Haydn (Rohrau, 31 marzo 1732 – Vienna, 31 maggio 1809) è stato un compositore austriaco. Uno dei maggiori del periodo classico, è considerato il "padre" della sinfonia e del quartetto d'archi. Trascorse la maggior parte della sua lunga carriera inAustria, come maestro di cappella presso la famiglia Esterházy.Haydn è stato spesso onorato del titolo di "padre della sinfonia"; sebbene l'appellativo sia giustificato solo in parte, poiché esistono precedenti e paralleli importanti sia in Italia sia in Germania, è indubbio che la produzione haydniana contribuì enormemente a riscattare questo genere strumentale dalla subalternità rispetto alla musica vocale, e a dargli una forma ampia, duttile e complessa. Per quanto riguarda il quartetto d'archi, invece, la paternità di Haydn è fuori discussione.

Tramite questi due generi principali (a cui occorre aggiungere l'ampio corpus delle sonate per pianoforte e dei trii con pianoforte), Haydn divenne l'autore più conteso dalla vivace editoria musicale del suo tempo ed il punto di riferimento principale dello stile "classico" di fine Settecento.

Lo sviluppo della forma-sonata in un mezzo espressivo flessibile e sofisticato, fino a diventare il soggetto principale del pensiero musicale dell'età classica, deve moltissimo a Haydn, e a quelli che proseguirono direttamente il suo lavoro.

Inoltre, integrò la fuga nello stile classico, e arricchì il rondò con una logica tonale più coerente e organica. Fu anche il primo compositore a usare estensivamente la tecnica della doppia variazione, ovvero una variazione su due temi alternati, spesso in modo maggiore e minore.

Haydn, concerto in sol maggiore primo movimento

Secondo il programma seguirà Gabriele CAMPEGGIO, violino V corso che eseguirà di F.M. Veracini la Sonata in Mi Minore(rev.David), Allegro e Giga.

F.M. Veracini

Dapprima allievo dello zio Antonio (figlio a sua volta del violinista Francesco), fu considerato in Italia come il maggiore violinista del suo tempo, dopo la morte di Corelli. Nacque a Firenze verso il 1690. Studiò musica e in particolare composizione presso la cattedrale di Firenze. Nel 1711 andò a Venezia iniziando la sua carriera peregrinante, e qui forse conobbe Tartini. Nel 1714 si portò a Londra dove dominava la figura di Haendel; qui ebbe modo di conoscere Francesco Geminiani. L'anno dopo andò a Düsseldorf dove compose e dedicò all'Elettore Johann Wilhem, l'oratorio "Mosè al Mar Rosso". All'età di ventinove anni si recò a Venezia dove eseguì vari concerti con una tale maestria da averne un notevole successo tanto che Tartini, si convinse di non poter rivaleggiare con lui, e si ritirò adAncona dedicandosi a nuovi studi. Nello stesso anno (1719) Veracini fece un viaggio a Londra dove ebbe modo di suonare negliintermezzi delle opere, suscitando anche qui il più vivo entusiasmo. Scelse infatti di fermarsi in Inghilterra dove rimase circa due anni, considerato come un prodigio di abilità.

Nel 1720 giunse a Dresda ed ottenne i titoli di compositore e di virtuoso dal re di Polonia. Sfortunatamente il suo orgoglio, pari al suo talento, urtò in molte occasioni l'amor proprio degli artisti del violino, in special modo quello di Pisendel, maestro di concerto del re. Quest'ultimo risolse di vendicarsi e a tale scopo, fece studiare uno dei suoi concerti dai più mediocri violinisti della sua orchestra, finché non lo suonò perfettamente, poi, seguendo l'uso di quest'epoca, portò a Veracini, davanti al re, la sfida di suonare un concerto a prima vista. Il virtuoso superò egregiamente questa prova, ma il ripienista lo eseguì dopo di lui con la sicurezza e la precisione che non si può avere in un assolo che dopo averlo lungamente studiato.

L'umiliazione che Veracini provò in quell'occasione, fu così profonda che si ammalò seriamente. In un accesso di febbre, si gettò dalla sua finestra il 13 agosto 1722 e fu abbastanza fortunato a non rompersi altro che la gamba. Dopo la sua guarigione lasciò Dresda e si recò a Praga dove entrò al servizio del conte Kinsky. Dopo un lungo soggiorno in Boemia, fece ritorno in Inghilterra e diede dei concerti a Londra nel 1730, ma senza riscuotere lo stesso successo di un tempo. Si trovò il suo stile vecchio e il paragone con quello di Geminiani non l'aiutò. Di ritorno in Italia nel 1747, si ritirò a Pisa in una modesta dimora. Morì nel 1768.

M. Giuliani

Gran Sonata Eroica op. 150, Allegro Maestoso.

Francesco MARRA

In Programma a Seguire: 

A.F. Doppler, Fantasie pastorale Hongroise op, 26

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Venerdì 23 maggio 2014 - ore 20:30, Santa Maria della Grazia

M. Giuliani "Alle mie tante lagrime"

LEE GO EUN

Mauro Giuseppe Sergio Pantaleo Giuliani (Bisceglie, 27 luglio 1781 – Napoli, 7 maggio 1829) è stato un chitarrista, compositore e violoncellista italiano.


Biografia

 Ultimogenito di una famiglia benestante, Mauro aveva tre sorelle e un fratello, Nicola, che fu pure musicista, specializzato in armonia e canto.  Trasferitasi la famiglia a Barletta, Mauro e il fratello studiarono violoncello e chitarra francese presso tale Gaetano Lucci. Giuliani partecipò quindi a vari concerti e pubblicò alcune opere. Ma poiché in Italia la musica strumentale non era tanto coltivata e apprezzata quanto la musica vocale (e la chitarra restava negletta), Mauro si trasferì nel 1802 a Vienna con moglie e figlio. In questa 'capitale' del mondo musicale europeo Giuliani si mise ben presto in luce come straordinario virtuoso di uno strumento fino ad allora ritenuto marginale, folcloristico oppure riservato al privato svago musicale dilettantistico.  Nel 1808 venne, in particolare, eseguito per la prima volta il "primo gran concerto per chitarra e orchestra Op.30": composizione di carattere brillante ed eroico, costruita esemplarmente in ossequio al gusto napoleonico del momento. L'inedita ampiezza di impianto cameristico, con ampi squarci sinfonici, sfatava di colpo il luogo comune dei limiti popolari e domestici, che si attribuivano allo strumento. D'altro canto, i numerosi e apprezzati concerti viennesi di Giuliani, da solista e in varie formazioni - stando a una recensione dell'epoca, pare che persino Beethoven andasse con piacere a quei concerti -, non solo rinnovarono clamorosamente l'immagine della chitarra, quale strumento cameristico alquanto versatile, del quale si scopriva l'interessante dimensione orchestrale concertante, ma aprirono anche un fortunato filone nella fiorente editoria musicale di consumo dilettantistico. 

 Il "Paganini della chitarra", come venne ribattezzato, divenne famosissimo e si conquistò la stima e l'amicizia di Paganini stesso, nonché di Rossini, Moscheles e Beethoven. Durante il soggiorno viennese produsse più di un centinaio di composizioni, fra le quali i tre concerti per chitarra e orchestra, alcune sonate per chitarra sola e brani destinati ad ensemble di vario tipo.

 Mentre riscuoteva un discreto successo, si separò dalla moglie, ebbe una figlia illegittima e contrasse debiti che lo indussero ad abbandonare Vienna. Tornando in Italia nel 1819, tenne un concerto aTrieste, "molto applaudito", ed altri in alcune città del nord. Si stabilì dapprima a Roma, poi a Napoli, dove trascorse gli ultimi anni della sua vita, pubblicando una cinquantina di composizioni.

 Durante la sua carriera Giuliani, come altri colleghi chitarristi, non si limitò alla composizione e al concertismo, ma fu anche uno dei più prestigiosi insegnanti del suo strumento, vantando persino allievi d'alto rango, come l'imperatrice Maria Luisa, seconda moglie di Napoleone Bonaparte, dalla quale ricevette in dono la Lira che Napoleone aveva commissionato per lei, nonché il titolo di musicista di corte e Cavaliere del Giglio. Pochi giorni dopo la sua morte, il necrologio apparso sul giornale del Regno delle due Sicilie, informava il pubblico: "La mattina del giorno 8 di questo mese Don Mauro Giuliani famoso chitarrista morì in questa capitale. La sua chitarra fu trasformata nelle sue mani in un'arpa che molceva i cuori degli uomini". La sua fama restò viva a lungo. In Francia e in Inghilterra, a distanza di dieci anni dalla sua morte, ancora venivano date alle stampe raccolte di sue brevi e armoniose composizioni per chitarra sola, The Giulianad (Le Giulianate). Giuliani, che costruì la nuova immagine della chitarra unitamente al non meno rilevante contributo dello spagnolo Fernando Sor, fece interessare alla chitarra anche compositori come Paganini e Diabelli, che hanno lasciato per questo strumento molti interessanti lavori.

Altre opere di M. Giuliano

Marcin dylla - Rossiniana No.1 (M.Giuliana)

Emmanuele Buono - Concerto op.30 (I. Allegro Maestoso)  

Lunedi 26 Maggio 2014-ore 18,30

Sala Conferenze Ex-Conservatorio Sant'Anna- Corso Vittorio Emanuele II, 16-Lecce

In questa serata di musica si esibiranno le scuole di Pianoforte del M° Pierluigi Epifani, Composizione del  M° Giuseppe Gigante e di Musica da Camera del M° Francesco Libetta.

A fare da cornice alla manifestazione la sala del bellissimo Ex-Conservatorio di Sant'Anna

La serata si aprirà con  L.van Beethoven, Sonata op. 109 per pianoforte. Al pianoforte Ludovico Cicala, IX corso.

L.Beethoven

Ludwig van Beethoven 

Figura cruciale della musica colta occidentale, fu l'ultimo rappresentante di rilievo del classicismo viennese, nonché precursore del romanticismo. È considerato uno dei più grandi compositori di tutti i tempi. Nonostante i problemi di ipoacusia che lo afflissero prima ancora d'aver compiuto i trent'anni, egli continuò a comporre, condurre e suonare, anche dopo che fu diventato del tutto sordo. Beethoven ha lasciato una produzione musicale fondamentale, straordinaria per la sua forza espressiva e per la capacità di evocare una gran mutevolezza di emozioni

Beethoven influenzò fortemente il linguaggio musicale del XIX secolo e di quelli successivi, tanto da rappresentare un modello per molti compositori. Il mito del Beethoven artista eroico, capace di trasmettere attraverso la sua opera ogni sua emozione, esperienza personale o sentimento, crebbe moltissimo nel periodo Romantico; ciò nonostante, pur anticipando molti aspetti del futuro romanticismo,la sua adesione alle regole dell'Armonia nelle modulazioni, il rigetto dei cromatismi nelle melodie nonché la cura dell'equilibrio formale dei brani, lo collocano nel solco della tradizione del Classicismo. Nel vasto catalogo delle composizioni beethoveniane, grande rilievo hanno la sua produzione cameristica, quella sinfonica e le opere pianistiche

L.van Beethoven

Sonata Op. 109

La sonata per pianoforte n. 30 è la terzultima delle 32 composte da Beethoven; vide la luce nel 1819-1820, in un periodo libero da altre commissioni ma i cui sforzi erano rivolti principalmente per la creazione della Messa Solenne op 123. Il 31 maggio 180si impegnò con l'editore Schlesinger a consegnare tre sonate entro tre mesi. Tuttavia in autunno soltanto l'Op. 109 era terminata; per le future op.110 e OP.111  dovrà attendere più di un anno.

Struttura

La sonata n. 30 è suddivisa nei seguenti 3 movimenti:

1. Vivace ma non troppo
2. Prestissimo (in Mi minore)
3. Gesangvoll, mit innigster Empfindung. Andante molto cantabile ed espressivo

   [Pieno di canto, con il più intimo sentimento]

I primi due sono di proporzioni assai ridotte. Il Vivace ma non troppo apre l'opera con uno stile apparentemente simile ad un'improvvisazione musicale; segue il conciso Prestissimo, in forma sonata come il precedente ma dal carattere «spettrale e carico di demoniaca energia», secondo l'opinione di Walter Riezler.

Incipit del Prestissimo (secondo movimento)

Il terzo movimento (il cui titolo è in tedesco - come avvenuto nelle precedenti sonate p.90 e op.101 - è un tema (Andante molto cantabile ed espressivo) con sei variazioni:

• Variazione I: Molto espressivo;
• Variazione II: Leggermente;
• Variazione III: Allegro vivace;
• Variazione IV: Etwas langsamer als das Thema

  [Un poco più lento del tema];

• Variazione V: Allegro ma non troppo;
• Variazione VI.

Il tema del terzo movimento: Andante molto cantabile ed espressivo

All'ultima variazione segue immediatamente il ritorno del tem

 S.Prokofiev 

Sonata No.7 OP. 83

Marco Conte

L' autore

Sergej Sergeevič Prokof'ev nacque a Soncovka (cittadina oggi conosciuta come Krasne, nell'Oblast' di Donec'k) il 23 aprile (o per ilcalendario gregoriano 11 aprile) 1891 da una famiglia relativamente benestante che lo introdusse fin da bambino allo studio della musica, in particolare del pianoforte. Sua madre era essa stessa pianista.

Sergej mostrò un precoce talento per la musica già a cinque anni ed a sette anni aveva imparato a giocare agli scacchi. Questi - più che la musica - diventeranno la sua passione per la vita, coltivata al punto da riuscire a confrontarsi con diversi campioni del suo tempo.

Iniziò a prendere lezioni di composizione nel 1902; uno dei suoi primi lavori fu una composizione per piano in fa maggiore, ma scritta senza includervi il si bemolle. Appena fu in possesso delle basi teoriche, iniziò a sperimentare, gettando le basi del proprio stile musicale. Le sue prime opere risalgono al 1908, quando aveva soli 17 anni.

Benché la famiglia non fosse propensa ad avviarlo alla carriera musicale in così giovane età, nel 1904 Prokof'ev si iscrisse al Conservatorio di San Pietroburgo, superando i test di ammissione e iscrivendosi alla classe di composizione pur essendo di diversi anni più giovane dei suoi compagni di corso. Fu visto come eccentrico e arrogante, fu spesso insofferente verso l'istituzione scolastica, ritenuta noiosa. Divenne amico di Boris Asaf'ev e di Nikolaj Mjaskovskij, suo condiscepolo e sostenitore che in futuro lo definirà «fenomeno luminoso e sano» sulla rivista "Musika".

Al conservatorio studiò sotto la guida, tra gli altri, del maestro Nikolaj Rimskij-Korsakov, guadagnandosi la fama di enfant terrible e diplomandosi in composizione nel 1909. Studiò anche con Ljadov e orchestrazione con N.N. Cherepnin. A.N. Essipova fu un eccellente insegnante di pianoforte che gettò le basi per la messa in pratica del suo stile aggressivo e opposto alla tradizione, che suscitava particolare tedio nel compositore. In questo periodo, prima del celebre Primo concerto per Pianoforte e Orchestra Op. 10, scrisse importanti pagine per pianoforte come la Toccata Op. 11, Quattro pezzi Op. 3 e 4 oltre alla Sinfonia in Mi minore. È con queste prime composizioni che si delinea il suo stile, in cui la tonalità diventa un elemento tirato al massimo con modulazioni repentine e frequenti che tuttavia non alterano la plasticità e la nettezza dei piani sonori. Il ritorno alla tonalità d'impianto in Prokofiev è sempre un passaggio carico di violenza e di interessanti e vivaci trovate timbriche (nel caso dell'orchestra).

Nel 1910 muore suo padre e viene meno il suo sostegno economico; fortunatamente il giovane compositore è già noto ed apprezzato a sufficienza per potersi mantenere con la propria arte. I suoi primi due concerti per pianoforte vengono composti in questo periodo: il primo nel 1912 (che suonerà due anni dopo per il Premio Rubinstein) e il difficilissimo e virtuosistico secondo nel 1913, con il quale intendeva affermarsi come pianista-compositore.

Nel 1914 Prokof'ev lascia il conservatorio con i migliori voti della propria classe e vince il premio Anton Rubinstein come miglior studente di pianoforte. Poco dopo parte per un viaggio a Londra, dove incontra Claude Debussy, Maurice Ravel, Richard Strauss, Sergej Djagilev e Igor Stravinskij. Fu proprio con Djagilev che a Londra iniziò a comporre il suo primo balletto (Ala e Lollij) poi rielaborato nel 1916 nella Suite Scitica, composizione carica di ritmi selvaggi con forti punti di contatto con Stravinskij.

Durante gli anni della prima guerra mondiale Prokof'ev ritorna al conservatorio per studiare organo. Scrive un'opera basata sul romanzo Il giocatore di Fëdor Dostoevskij, ma le prove sono funestate da continui problemi e la prima, nel 1917, viene cancellata per il verificarsi degli avvenimenti della Rivoluzione di febbraio, che fu salutata con gioia dal compositore. Nell'estate dello stesso anno compone la sua prima sinfonia, detta "la Classica", composta in uno stile ispirato al neoclassicismo e a Joseph Haydn. Prokof'ev disse che se Haydn fosse stato ancora vivo l'avrebbe composta nello stesso modo, con poche variazioni al suo stile. Dopo un breve soggiorno con sua madre a Kislovodsk, nelle montagne del Caucaso e un'esecuzione del 1915 a Roma al Teatro Augusteo del suo Secondo concerto per pianoforte e orchestra, torna nel 1918 a San Pietroburgo, ribattezzata Pietrogrado dopo lo scoppio della guerra, deciso a lasciare almeno temporaneamente la Russia. Nel 1918, all'età di 27 anni, lascia quindi la sua terra natale e comincia a viaggiare in Europa e in America.

Parigi, Londra e Chicago sono state per lui tappe fondamentali, che hanno fortemente influenzato la sua maturazione artistica. Il suo ritorno nell'Unione Sovietica risale al 1923, quando volle partecipare alla trasformazione sociale e culturale. Venne anche accusato dall'apparato burocratico di Stalin di formalismo.

Nonostante questo inconveniente Sergej, continuando ad elaborare la sua prodigiosa tecnica, divenne uno dei massimi artisti che la scuola russa avesse prodotto in quel periodo. La sua musica piaceva perché ironica, talvolta sarcastica, ma soprattutto istintiva e ritmicamente travolgente.

L'opera

La serata proseguirà con musiche di Strauss

 An die Nacht op. 68 n1

di Webern, Lied dall'opera 3 e Chanson di F.D'Avalon

Gli autori

A. Webern

Anton Friedrich Wilhelm von Webern, meglio noto come Anton Webern(Vienna, 3 dicembre 1883 – Salisburgo, 15 settembre 1945), è stato un compositore austriaco.

Fu uno dei primi allievi e seguaci di Arnold Schoenberg e appartenne alla cosiddetta Seconda scuola di Vienna. Nel 1925 Webern adottò definitivamente la dodecafonia appena essa fu teorizzata dal suo maestro Arnold Schönberg: tecnica compositiva della quale - anche per gli sviluppi tecnici che ebbero le sue idee da parte della successiva generazioni di compositori - si sarebbe rivelato esponente originalissimo. La sua embrionale organizzazione dei sistemi di altezze, ritmo e dinamica divenne infatti il modello originario di una delle principali tecniche compositive della seconda metà del XX secolo, del quale si parla in generale come di serialismo integrale.

Per la scuola di composizione ascolteremo di Cesare Rolli Colourways Per flauto, Pianoforte e Fagotto